Anthony: Pues déjame recordar… Lo primero en lo que trabajé, recuerdo que después de unos días de adaptación le pregunté a mi jefe, que entonces era Erich Schaefer: "Bueno, ¿qué hago?". Tanto Erich como Stieg [Hedlund] dijeron que necesitaban algún tipo de insecto volador para el Acto 3 y me inventé lo que ahora se llama mosquito demonio. Y eso fue lo primero en lo que trabajé. Estaba pensado como para una zona cenagosa, así que ideé algo apropiado, como un monstruo mosquito, y sí, eso fue lo primero que hice.

 

Anthony: Probablemente el monstruo más destacado en el que trabajé fue Mefisto. Phil Shenk creó el boceto de Mefisto, así que yo ya tenía algo con lo que empezar. Lo modelé, le di textura y concebí el primer rigging, y luego se lo di a Cheeming Boey para que lo animara. Yo también ayudé un poco con los efectos de la parte inferior de Mefisto. Tiene como cráneos de mono giratorios que dan vueltas alrededor de sus pies según se va moviendo.

 

Anthony: Sí, antes funcionaba de manera distinta. El ilustrador casi siempre partía del boceto, para meter los efectos y todo lo demás en el juego. Así que pasabas por la etapa conceptual, modelado, texturizado, rigging, animación y luego los efectos. Conoces los efectos que necesitan el monstruo o personaje, y eso es lo que luego se mete en el juego. Para algunos personajes decidimos "vale, vamos a poner a alguien a animarlo y yo lo modelo y lo texturizo", y empezamos a hacerlo así entonces. Era un proceso muy diferente al que tenemos ahora.

 

Anthony: Sí, ahora… Bueno, ya sabes, la producción de arte moderno y las etapas a seguir para los juegos están mucho más especializadas. Tienen que serlo y es esencial para terminar el trabajo. Está claro que en nuestro equipo tenemos las cosas más repartidas, no tanto como en otras empresas de las que he oído hablar, pero yo sobre todo hago el modelado y el texturizado. Trabajo un poco el concepto, ayudo con los efectos a veces si los chicos necesitan modelar o texturizar algo para sus efectos. Los animadores más bien suelen realizar animaciones, pero también colaboran con los conceptos y esas cosas. A veces sólo queremos hacer una lluvia de ideas nuevas y sabes que todo el mundo va a arrimar el hombro en la fase conceptual. Pero las cosas suelen estar casi siempre más especializadas. Tenemos un equipo enteramente dedicado al rigging.

 

Anthony: Darle a los personajes un esqueleto o vestirlos, cosas así. O asegurarnos de que cada cosa recibe el nombre adecuado para que se exporte bien… Ese tipo de cosas.

Anthony: El proceso de creación fue bastante distinto, como ya he dicho. Muchos ilustradores hicieron todo desde el principio. Y luego vino la parte de renderización de sprites. Tenías que prerrenderizar tus recursos y, básicamente, había que esperar una eternidad para que todo estuviera renderizado. Para los héroes hay que renderizar cada una de las partes de su cuerpo por separado. Elementos como los guantes y las botas, que cambian en un mismo personaje. Después, hay que unir todo, cada dirección renderizada para cada marco de animación. Así que, si está renderizado en dieciséis direcciones distintas y tiene ocho marcos de animación, hay que pasar por todos y unir los elementos separados en el orden correcto para que se vea bien en la pantalla. Para que no haya un brazo que está delante del cuerpo cuando debería estar detrás. Y… es un proceso muy tedioso.

Pero gracias al 3D en tiempo real, no tenemos que preocuparnos por eso, y eso es lo que quería decir con que las cosas son mucho más sencillas. Además el número de marcos de animación ya no es un problema. Ahora podemos tener animaciones fluidas y pulidas, mientras que antes eran entrecortadas porque, claro, solo se nos daban seis o siete marcos para un ciclo de pasos. Hace falta mucho más que eso para crear un ciclo de pasos convincente, pero había que hacer lo que se podía dentro de los límites. Así que la parte técnica era muy distinta, la parte creativa… creo que antes todo estaba un poco más unido y era más colaborativo. Como el equipo era más pequeño, cuando tenías una idea o un diseño, iba y venía entre los diseñadores, los ilustradores y los programadores. Parecía que todo el mundo era mucho más cohesivo en ese sentido, mientras que ahora el departamento es más grande, hay más gente en el equipo, está más especializado. Sigue habiendo colaboración, es decir, me puedo levantar e ir a hablar con cualquiera del equipo si quiero, pero cuando están al final del pasillo, empieza a darte pereza y ya no vas de cháchara. Quieres hacer tu trabajo. El proceso de diseño es un poco diferente, pero todavía, cuando nos encontramos con un recurso, por ejemplo se necesita un monstruo en concreto para un evento, antes de empezar a trabajar sobre el recurso nos juntamos con un diseñador, un ilustrador técnico, un ilustrador de personajes y un productor, cualquiera que deba estar implicado, y hablamos sobre él y manejamos ideas. Nos aseguramos de que podemos ver los problemas que puede haber en las primeras fases. Buscamos ideas sobre cómo puede morir, qué más puede hacer que molaría. No teníamos este tipo de reuniones organizadas cuando trabajábamos sobre Diablo II ni en la expansión.

 

Anthony: Era más… no quiero decir desorganizado, pero había más libertad de formas por entonces. Era una especie de intercambio natural entre todos y no un “Eh, vamos a juntarnos y a asegurarnos de que hemos hablado todo lo que hace falta” oficial, y al acabar eso seguíamos adelante. Era más orgánico.

 

Anthony: Sí, claro, pero tenía un encanto único.